9 alternative fotografische Verfahren, die jeder Fotograf ausprobieren sollte
Bei alternativen fotografischen Verfahren handelt es sich um experimentelle, praxisnahe Techniken, die über die digitale Fotografie hinausgehen und mithilfe von Licht, Chemie und physischen Werkstoffen einzigartige Bilder erzeugen. Von der Tintype-Fotografie bis zum Chemigramm – diese alternativen Fotomethoden regen Fotografen dazu an, zu entschleunigen und sich wieder auf die Wurzeln des Mediums zu besinnen.
In den letzten Jahren haben alternative Verfahren eine Renaissance erlebt. Instagram-Communities wie @alternativeprocesses unterstützen eine neue Generation von Künstlern, die sich von historischen Techniken und handgefertigten Fotografien inspirieren lässt.
Wir haben neun außergewöhnliche Künstler zu den alternativen fotografischen Verfahren befragt, die ihnen am Herzen liegen – vom Kohledruck bis zu Chemigrammen. Wir haben zwar nur an der Oberfläche gekratzt, aber hier sind ein paar Techniken, die jeder Fotograf mindestens einmal ausprobieren sollte, sowie Tipps für den Einstieg.
1. Tintype-Fotografie
Was ist Tintype-Fotografie?
Die manchmal auch als „Ferrotypien“ bezeichnete Tintype-Fotografie kam erstmals in den 1850er Jahren auf. Wie der Name schon vermuten lässt, werden bei der Tintype-Fotografie Bilder auf dünnen Metallplatten, meist aus Eisen, entwickelt. Tintypes können entweder mit Gelatine (trocken) oder Kollodium (nass) hergestellt werden.
„In einem Zeitalter, in dem die meisten Fotos auf Festplatten oder in unseren Handys gespeichert sind, sind Tintypes greifbare Objekte, die Generationen überdauern können“, erklärt der in Brooklyn lebende Porträtfotograf Josh Wool, der ein Nassplattenverfahren und eine tragbare Dunkelkammer verwendet. „Die besondere chemische Zusammensetzung der im Verfahren verwendeten Chemikalien verleiht den Bildern eine Tonalität und Textur, die kein anderes Medium bietet.“
Tintype-Fotografie in der Praxis
Die Tintype-Fotografie ist ein Verfahren, bei dem sofort ein fertiges Positivbild auf einer dünnen Metallplatte entsteht. Für den Einstieg brauchst du eine vorbereitete Metallplatte, eine Großformatkamera, ein Objektiv und – je nach Methode – Zugang zu einer Dunkelkammer oder einem kontrollierten Arbeitsraum.
Es gibt zwei grundlegende Ansätze für die Tintype-Fotografie: Nassplatte und Trockenplatte. Bei der Nassplatten-Tintype-Fotografie wird die Metallplatte mit einer lichtempfindlichen Kollodiummischung beschichtet, in ein Silbernitratbad gelegt und dann in der Kamera belichtet, solange sie noch nass ist. Die Platte muss entwickelt und fixiert werden, bevor sie trocknet. Deshalb erfordert die Nassplatten-Tintype-Fotografie in der Regel eine tragbare Dunkelkammer und ein gutes Timing.
Bei der Trockenplatten-Tintype-Fotografie kommen vorbeschichtete Gelatineemulsionen zum Einsatz, die vor der Belichtung trocknen dürfen. Diese Methode bietet mehr Flexibilität und längere Arbeitszeiten, da die Platte nicht unmittelbar nach der Belichtung entwickelt werden muss. Auch wenn Trockenplatten-Tintypes für Einsteiger oft praktischer sind, wirken ihre Tonwerte im Vergleich zum klassischen Nassplatten-Look etwas anders.
Da die Tintype-Fotografie mit Chemikalien und spezialisiertem Equipment arbeitet, solltest du dich vor dem Einstieg sorgfältig mit dem Verfahren vertraut machen und die entsprechenden Sicherheitshinweise beachten.
Tipps für die Tintype-Fotografie
Joshs wichtigster Tipp für angehende Tintype-Fotografen ist simpel: Recherchiere. „Es ist ein ziemlich aufwendiger Prozess und kann potenziell gefährlich sein, wenn man nicht darauf achtet, wie man die Chemikalien verwendet und lagert“, erklärt er. „Einer der häufigsten Fehler in der Tintype-Fotografie ist, dass Chemie und Equipment nicht sauber gehalten und regelmäßig gewartet werden. Das erklärt einen Großteil der Probleme, die dabei auftreten.
Ein weiterer häufiger Fehler ist, die Lernphase überstürzen zu wollen. Das Verständnis für die Feinheiten des Prozesses – insbesondere für das Zusammenspiel von Belichtungszeit und Entwicklungszeit – kommt mit der Praxis. Es geht hier nicht um schnelles Lernen, Geduld und Ausdauer sind entscheidend.“
2. Fotogramme
Was sind Fotogramme?
Diese „kameralosen Fotografien“ haben Künstler wie László Moholy-Nagy und Man Ray begeistert und verleihen dem Fotogramm eine reiche historische Tradition. Fotogramme entstehen, indem Gegenstände direkt auf lichtempfindliches Papier gelegt und belichtet werden. So entstehen Silhouetten, je nachdem, wie viel Licht blockiert wird.
So entstehen Fotogramme
Wenn du deine eigenen Fotogramme machen möchtest, brauchst du in der Regel Zugang zu einem Vergrößerer in der Dunkelkammer, um die Lichtmenge, die auf das Fotopapier trifft, präzise zu steuern.
Von dort aus legst du einfach beliebige Objekte direkt auf das Papier, um deine Kompositionen zu gestalten, belichtest sie und entwickelst und fixierst die Bilder – so, wie du es auch beim Abzug von einem Negativfilm tun würdest. Durch die Platzierung der Objekte entstehen geisterhafte, weiße Silhouetten, während die dem Licht ausgesetzten Bereiche sich nach der Entwicklung grau verfärben.
„Fotogramme sind einzigartig, weil es kein Negativ gibt, mit dem man das Geschaffene reproduzieren könnte“, erklärt die in Nottingham (Großbritannien) lebende Künstlerin Pauline Woolley. „Es geht nur um Licht, Papier und Alchemie. Du erschaffst ein Bild mit einer sehr einfachen Apparatur, die tief in der Geschichte der Fotografie verwurzelt ist.
Fotogramme sind abstrakt und experimentell, aber sie vermitteln dir auch die Grundlagen dafür, wie Licht und Belichtung funktionieren. Um loszulegen, musst du zunächst einen Teststreifen anfertigen, ähnlich wie beim Drucken von Negativen. Wenn du deine Belichtungszeit kennst und weißt, ob du das Objektiv des Vergrößerers öffnen oder abblenden musst, ersparst du dir viel Frust und unnötig verschwendetes Papier.“
Tipps für Fotogramme
Mit unterschiedlichen Materialien und ihrer Platzierung zu experimentieren, ist eine der einfachsten Möglichkeiten, visuell komplexere Fotogramme zu gestalten. Pauline empfiehlt, bei der Komposition eine Mischung aus transparenten, halbtransparenten und undurchsichtigen Objekten zu verwenden. „So entstehen interessantere Bilder, als wenn nur ein einzelner Gegenstand auf dem Papier liegt“, sagt sie. „Kompositionen wirken dynamischer, wenn Objekte nahe am Rand des Papiers, über den Rand hinaus oder über mehrere Bögen hinweg platziert werden.“
3. Lumen Prints
Was sind Lumen Prints?
Lumen Prints sind ein kameraloses fotografisches Verfahren, das bis zu den frühen Experimenten von William Henry Fox Talbot in den 1830er-Jahren zurückreicht. Die Bilder entstehen, indem lichtempfindliches Fotopapier direkt dem Sonnenlicht ausgesetzt wird. Dabei entstehen organische Farbveränderungen und oft überraschende Ergebnisse.
So entstehen Lumen Prints
Um Lumen Prints zu machen, brauchst du Silbergelatine-Fotopapier, Fixierer, Schalen für deine Chemie, eine Zange und einen Kontaktdruckrahmen. Alternativ kann auch ein alter Bilderrahmen dafür gut funktionieren.
Lege im Dunkeln beliebige Objekte, zum Beispiel botanische Fundstücke oder Papierausschnitte, direkt auf das Papier, bevor du es dem Sonnenlicht aussetzt. Genau hier unterscheiden sich Lumen Prints von Fotogrammen: Statt eines Vergrößerers in der Dunkelkammer dient die Sonne als Lichtquelle. Sobald die Belichtung abgeschlossen ist, bringst du den Aufbau in einen dunklen Bereich oder unter ein Dunkelkammer-Sicherheitslicht, entfernst die Objekte, wäschst das Papier und fixierst es einige Minuten lang, bevor du es zum Schluss noch einmal abspülst.
Tipps für Lumen Prints
Wenn du Lumen Prints machst, ist Experimentieren das A und O. Die Belichtungszeit kann je nach Intensität des Sonnenlichts, Wetterbedingungen und Art des verwendeten Fotopapiers zwischen wenigen Minuten und mehreren Stunden liegen.
Um sattere Farben zu erzielen, probiere abgelaufenes Silbergelatinepapier aus und experimentiere mit verschiedenen organischen Materialien wie Blättern oder Blumen. Wenn du das Papier während der Belichtung leicht warm hältst, lassen sich die Tonwertveränderungen intensivieren. Eine zügige Fixierung hilft außerdem dabei, die finalen Farben zu bewahren. Lumen Prints sind von Natur aus unvorhersehbar – Variation zuzulassen gehört hier ganz selbstverständlich zum kreativen Prozess.
Wie bei vielen der hier vorgestellten alternativen Verfahren wirst du einige Überschneidungen entdecken, und du kannst Techniken auch ganz nach Belieben miteinander kombinieren. „Ich betrachte meine Arbeiten als eine Mischung aus Chemigrammen und Lumen Prints“, erklärt der in Richmond lebende Künstler Tom Condon. „Ich belichte mein Papier bei Tageslicht, so wie bei einem traditionellen Lumen Print, arbeite aber in der Dunkelkammer intensiv mit Chemikalien und Abdecksubstanzen. Mitunter kann die Entwicklung des Bildes bis zu zwei Stunden dauern, bevor der Print gewaschen wird.
Was ich an dieser Arbeitsweise am meisten liebe, ist die Zusammenarbeit, die ich zwischen mir und meinen Materialien spüre. Auf diese malerische Art mit Nasschemie zu arbeiten erfordert ein enormes Maß an Kontrolle und gleichzeitig die Offenheit für den Zufall. Manchmal habe ich das Gefühl, ich tanze mit meiner Kunst. Egal, wie viel ich über diese Verfahren lerne: Jeder Druck bringt mir etwas Neues bei.
Diese Arbeitsweise, bei der Lumen- und Chemigram-Techniken kombiniert werden, erfordert außerdem eine unglaubliche Geduld. Der experimentelle Charakter dieses Prozesses bedeutet, dass es genauso viele Fehlschläge wie Erfolge geben wird. Ich würde jeden, der sich für alternative Techniken interessiert, ermutigen, die Fehler anzunehmen – alle. Jedes Mal, wenn ein Print nicht so aussieht, wie du es dir vorgestellt hast, ist das eine Chance für Entdeckung und Wachstum.“
4. Cyanotypien
Was sind Cyanotypien?
Cyanotypien sind eng mit Fotogrammen und Lumen Prints verwandt, bekannt sind sie aber vor allem für ihre charakteristische preußischblaue Farbe. Dieses alternative fotografische Verfahren erzeugt Bilder durch Sonnenlicht und eine einfache chemische Reaktion – das Ergebnis sind kräftige, grafische Prints.
So entstehen Cyanotypien
Der Ablauf wird dir inzwischen vertraut vorkommen. Lege deine Komposition an, indem du Objekte oder Negative direkt auf lichtempfindliches Papier platzierst, es hellem Sonnenlicht aussetzt und es anschließend in Wasser einweichst, um das Bild sichtbar zu machen. Längere Belichtungszeiten sorgen für tiefere Blautöne, und manche Fotografen geben Wasserstoffperoxid hinzu, um den Entwicklungsprozess zu beschleunigen.
„Es gibt viele Gründe, warum Cyanotypien etwas Besonderes sind: Die tiefblaue Farbe zieht dich in ihren Bann, und es ist aufregend, mit einem der frühesten fotografischen Verfahren zu arbeiten, das in den 1840er-Jahren erfunden wurde“, erzählt die isländisch-britische Künstlerin Inga Lisa Middleton.
„Außerdem ist es ein recht einfaches und kostengünstiges Verfahren, das man gut erlernen kann. Im Zeitalter hochmoderner fotografischer Prozesse ist es unglaublich befriedigend, Bilder mit einer so einfachen, handfesten Technik zu schaffen – bei der natürliches Sonnenlicht das Bild belichtet und Wasser es entwickelt und fixiert. Und die Möglichkeiten bei Papieren und Oberflächen sind endlos.“
Viele Fotografen lassen sich von der frühen Fotografin und Botanikerin Anna Atkins inspirieren und verwenden Pflanzen in ihren Cyanotypien, doch das Verfahren eröffnet eine ganze Bandbreite kreativer Ansätze. „Ich arbeite am liebsten mit Negativen von Fotos, die ich entweder selbst aufgenommen habe oder für die ich die Lizenz besitze“, sagt Inga. „Meist verwende ich 200 g/m² Aquarellpapier und eine UV-Lampe, um mehr Kontrolle zu haben und gleichbleibende Ergebnisse zu erzielen.“
„Das Cyanblau und der Prozess passen perfekt zu einer Serie, an der ich kürzlich gearbeitet habe: Thoughts of Home. Sie zeigt natürliche Objekte aus meiner Heimat Island. Blau steht für Sehnsucht und ruft das kühle, blaue Licht der Arktis in Erinnerung.“
Tipps für die Herstellung von Cyanotypien
Der richtige Umgang mit Chemikalien und gründliches Ausspülen sind entscheidend für saubere, stabile Cyanotypie-Abzüge. Inga rät außerdem dazu, in einzelne Chemikalien zu investieren und eigenes Papier zu beschichten, statt sich auf vorgefertigte Kits zu verlassen. „Trag beim Mischen der Chemikalien und beim Beschichten des Papiers mit der Lösung immer eine Schutzmaske“, warnt sie. „Dieser Prozess basiert stark auf Versuch und Irrtum, und ich denke, dass jeder für sich herausfinden wird, wie er ihn am besten nutzt. Eine Sache, auf die man achten sollte, ist, die Abzüge nach der Belichtung gut auszuspülen, um den Grünstich zu entfernen und sie so richtig zu fixieren.“
5. Gummiöldrucke
Was sind Gummiöldrucke?
Der Gummiöldruck ist arbeitsintensiv und zeitaufwändig, aber er lohnt sich. Vereinfacht gesagt wird bei diesem Verfahren ein Gemisch aus Gummiarabikum und einem Bichromat-Salz, UV-Licht und Ölfarbe verwendet, um ein positives Bild zum Leben zu erwecken. „Ein Gummiölabzug kann nicht genauso hergestellt werden wie der vorherige“, erklärt die in Massachusetts lebende Fotokünstlerin und Fotokonservatorin Terri Cappucci. „Jeder Abzug hat seine eigenen Markierungen, die das Endergebnis zu einer einzigartigen, handgefertigten Fotografie machen.“
So entstehen Gummiöldrucke
Der Gummiöldruck beginnt mit der Erstellung eines Filmpositivs aus einem fotografischen Bild, das anschließend zur Belichtung von sensibilisiertem Papier unter UV-Licht verwendet wird. Nach der Belichtung wird das Papier entwickelt und so vorbereitet, dass Ölfarbe selektiv aufgetragen und wieder entfernt werden kann. Dadurch entsteht das endgültige Bild in Schichten aus Tonwert und Textur.
„Dieser Prozess umfasst viele Schritte – vom Foto über ein Filmpositiv und sensibilisiertes Papier bis hin zur richtigen UV-Belichtung und den einzelnen Entwicklungsschritten. Als Künstlerin und Fotografin begeistert mich der taktile Aspekt des Gummiöldrucks. Nachdem ich Ölfarbe auf meinen Abzug aufgetragen habe, wird das Bild allmählich sichtbar. Aber der eigentliche Zauber entsteht, wenn die Farbe vorsichtig entfernt wird und das Bild zum Vorschein kommt. Es ist einfach ein schöner Tanz mit alter Farbe und Wasser, der in der Enthüllung der Überraschung gipfelt“, erzählt Terri.
Tipps für die Herstellung von Gummiöldrucken
Es ist kein einfacher Prozess, also nimm dir Zeit zum Üben und Lernen. „Es ist ein sehr unvorhersehbarer Prozess, bei dem man experimentieren muss, um ein Bild so zu gestalten, wie man es sich vorstellt“, sagt Terri. „Ohne viel Geduld und die Bereitschaft, Fehler zu machen und neu anzufangen, kann man nicht erfolgreich sein. Für alle ist es ein Prozess aus Versuch und Irrtum. Als ich diesen Prozess zum ersten Mal versuchte, gab ich sofort auf.
„Ungefähr vier Jahre später habe ich es noch einmal versucht. Diesmal hatte ich ein Notizbuch, um meine Schritte aufzuschreiben, machte viele kleine Abzüge und versuchte, konsequent weiterzumachen, als ich anfing, Fortschritte zu sehen. Der Weg dorthin besteht wirklich aus vielen kleinen Schritten und viel Feintuning. Aber die Aufregung ist groß, wenn man den ersten erkennbaren Gummiölabzug in den Händen hält. Auch hier läuft wieder alles auf Geduld und Ausdauer hinaus.“
6. Kohlenstoffdruck
Was ist Kohledruck?
Der erstmals in den 1850er Jahren eingeführte Kohledruck ist ein fotografisches Verfahren, bei dem Papier oder Gewebe mit einer pigmenthaltigen Gelatineschicht beschichtet wird – anstelle von Silber oder anderen Metallsalzen. Der Kohledruck ist für seine Tiefe und Beständigkeit bekannt und erzeugt reich strukturierte Bilder mit einem außergewöhnlichen Tonwertbereich.
„Vor allem haben Kohledrucke eine dreidimensionale Qualität, die kein anderes Verfahren erreicht“, sagt der professionelle Kohledrucker und Dozent Calvin Grier.
Wie funktioniert der Kohledruck?
Beim Kohledruck werden pigmentierte Gelatineschichten auf einen endgültigen Träger übertragen, wobei das Bild durch mehrere Belichtungs- und Entwicklungsstufen aufgebaut wird. Da das Bild aus stabilen Pigmenten und nicht aus lichtempfindlichen Metallen besteht, zählen Kohledrucke zu den dauerhaftesten fotografischen Abzügen überhaupt.
„Es ist unmöglich, einen Kohledruck mit einem billigen Tintenstrahl- oder C-Print (Chromogenabzug) zu verwechseln. Das Kohletransfer-Verfahren ist eine der dauerhaftesten Arten, ein Foto zu drucken und zugleich eine der seltensten. Selbst in den Anfängen des fotografischen Drucks, als Platin- und Kohledrucke als das Maß aller Dinge galten, waren Kohledrucke teurer, weil ihre Herstellung so arbeitsintensiv ist“, erklärt Calvin.
„Alle Kohledrucke sind limitierte Werke – nicht, weil der Künstler willkürlich festlegt, wie viele Abzüge entstehen sollen, sondern weil es eine ganze Woche dauert, einen einzigen Abzug herzustellen. Es macht mir wirklich Spaß zu sehen, wie diese Drucke lebendig werden.“ Um die beste Qualität zu erzielen, druckt Calvin in Schichten: „Zuerst trage ich Gelb auf, dann Eisenoxid, dann Magenta. Mit der Cyan-Schicht erscheint das Bild langsam – und mit der schwarzen Schicht kommt schließlich alles zusammen.“
Tipps zum Kohledruck
Wenn du die Möglichkeit hast, empfiehlt Calvin, bei einem erfahrenen Meister zu lernen, um den Prozess wirklich von Grund auf zu verstehen. „Ich empfehle, einen Workshop bei jemandem zu machen, der wirklich weiß, was er tut“, sagt er. „Ich wünschte, ich hätte diese Möglichkeit gehabt, als ich anfing, aber die einzigen drei Menschen auf der Welt, die dafür qualifiziert waren, haben damals keine Workshops gegeben. Es dauerte fast zwei Jahre, zwölf Stunden am Tag, sechs Tage die Woche, bis ich einen guten Druck hinbekommen habe.“ Trotz aller Herausforderungen des Kohledrucks sagt Calvin, dass es selbst nach fast 200 Jahren nichts Vergleichbares gibt.
7. Chlorophyll-Druck
Was ist Chlorophyll-Druck?
Der vom Künstler Binh Danh populär gemachte Chlorophyll-Druck ist genau das, wonach er klingt: ein fotografisches Verfahren, bei dem frische Blätter genutzt werden, um Bilder zu erzeugen. Durch die direkte Belichtung eines Bildes auf chlorophyllreiche Blätter entstehen organische, flüchtige Abzüge, die irgendwo zwischen Fotografie und Natur liegen.
So erstellst du Chlorophyllabzüge
Um Chlorophyllabzüge zu machen, brauchst du eine Folie oder ein Positiv deines gewählten Bildes, einen Kontaktdruckrahmen und direktes Sonnenlicht. Du druckst das Bild direkt auf frische Blätter, die besonders viel Chlorophyll enthalten. Kontrastreiche Folien, flache grüne Blätter und lange Belichtungszeiten, die oft Tage oder sogar Wochen dauern, liefern in der Regel die besten Ergebnisse.
Sobald das Bild vollständig entwickelt ist, lassen sich Chlorophyll-Abzüge mit einem Kupfersulfatbad oder durch Fixieren des Blattes in Harz oder Lack konservieren, um den Verfall zu verlangsamen.
„Der Chlorophyll-Druck ist eine relativ neue Technik, aber sie erinnert an Bilder aus der Vergangenheit“, sagt die in Chile lebende Künstlerin und Kunstpädagogin Kimberly Halyburton Fuster. „Es hat etwas Magisches, denn es ist ein langsamer Prozess, bei dem man beobachtet, wie sich die Farbtöne der Blätter verändern, während sie die Intensität der Sonne aufnehmen.
Als ich es entdeckte, war ich auf der Suche nach umweltfreundlichen fotografischen Verfahren für meine Arbeit. Außerdem war ich schwanger und konnte daher keine Entwicklerchemikalien oder Emulsionen verwenden. Ein fotografisches Verfahren zu entdecken, bei dem man nur Pflanzen verwendet, war einfach großartig. Ich habe mir das alles selbst erarbeitet, weil es damals keine Kurse gab. Heute widme ich mich der Vermittlung dieser Technik.“
Tipps zur Herstellung von Chlorophyllabzügen
Wie die meisten Verfahren in diesem Artikel ist auch der Chlorophyll-Druck vor allem ein Prozess aus Versuch und Irrtum. „Du musst verschiedene Pflanzenarten und Blütenblätter ausprobieren, weil es nicht mit allen gut funktioniert“, rät Kimberly. „Mein Tipp: Verwende etwas Dünnes und Flexibles. Es gibt viele Gemüsesorten und Wildpflanzen, die gute Ergebnisse liefern. Je nachdem, wo du auf der Welt bist und wie intensiv die Sonne scheint, kann es von ein paar Stunden bis zu mehreren Wochen dauern. Deshalb musst du die feinen Farbveränderungen der Blätter ständig im Blick behalten.“
8. Polaroid-Emulsionslifts
Was ist ein Emulsionslift?
Beim Emulsionslifting wird die Emulsionsschicht eines Sofortbildfilms auf eine andere Oberfläche, meist Papier, übertragen. Das Ergebnis ist ein weiches, malerisches Bild mit organischen Texturen.
So erstellst du Emulsionslifts
Um einen Polaroid-Emulsionslift zu machen, beginnst du mit einem vollständig entwickelten Sofortfoto. Entferne vorsichtig die Papierunterlage und lege das Bild in warmes Wasser, bis sich die Emulsionsschicht zu lösen beginnt.
Sobald die Emulsion gelockert ist, hebst du sie vorsichtig mit weichen Pinseln an und trägst sie auf die gewünschte Oberfläche auf, z. B. auf Aquarellpapier. Solange die Emulsion noch feucht ist, kannst du ihre Form und Textur verändern, bevor du sie an der Luft trocknen lässt. Langsam und geduldig zu arbeiten ist wichtig, denn die Emulsion ist sehr empfindlich und reißt leicht.
Du brauchst eine Schere, Schalen für warmes und kaltes Wasser und verschiedene Pinsel, um die Emulsion anzuheben und zu formen.
„Ich finde, Emulsionslifting kann eine meditative, therapeutische Erfahrung sein – und sogar eine Art emotionales Heilungsritual“, sagt die in Guatemala-Stadt lebende Sofortbildfotografin und Künstlerin Isabel Herrera.
„Sobald ich mich entscheide, ein bestimmtes Polaroidfoto zu bearbeiten, das meine Aufmerksamkeit geweckt hat, suche ich mir einen Moment, in dem ich allein sein kann – ungestört, ohne Ablenkung und in völliger Stille. Ich weiß nie, was am Ende dabei herauskommt und genau das macht mir am meisten Spaß.“
„Ich stelle mir Emulsionslifting wie eine Allegorie für das Leben vor: Ich hoffe oder erwarte, dass die Emulsion eine bestimmte Form, Farbe oder Textur annimmt. Aber während ich das Bild langsam und vorsichtig anhebe, zeigt sie mir den Weg oder das Ergebnis, das sie mir geben möchte. Manchmal ist es erfüllend, manchmal frustrierend, aber es überrascht und begeistert mich immer wieder von Neuem.“
Tipps für Emulsionslifte
Isabels Ratschlag ist, gleich loszulegen. „Ich weiß, dass viele zögern, Emulsionslifting auszuprobieren, weil sie den heiklen Prozess und die nötige Geduld scheuen oder Angst haben, ihre perfekt guten Polaroidbilder zu ruinieren“, gibt sie zu. „Aber wie bei allem Neuen ist der einzige Weg, es zu lernen, es einfach auszuprobieren und zu üben. Ich empfehle, Fotos zu verwenden, bei denen es dir nichts ausmacht, wenn sie ruiniert werden – also Bilder, die nicht so gut geworden sind, wie du es erwartet hast. Versuche außerdem, zuerst mit Schwarzweißfilm zu arbeiten, bevor du Farbfilm verwendest, da er sich deutlich leichter abheben lässt.
„Probiere verschiedene Wassertemperaturen in den Schalen aus (lauwarm funktioniert bei mir am besten) und experimentiere mit unterschiedlichen Pinseln und Bewegungen beim Abheben der Emulsion. Ich habe in der Regel drei oder vier Pinsel griffbereit, jeweils mit unterschiedlichen Spitzen und Breiten. Mit der Zeit bekommst du ein Gefühl dafür, welcher Pinsel gerade der richtige ist. Ich empfehle außerdem, dickeres, grobkörnigeres Aquarellpapier zu verwenden, da du das Bild darauf länger im Wasser bearbeiten kannst, während es sich mit dem Papier verbindet.“
Vergiss nicht, dabei behutsam vorzugehen. „Wenn man versucht, das Bild zu schnell oder zu abrupt abzuheben, bevor es so weit ist, kann es reißen“, erklärt Isabel. „Es ist wichtig, langsam und vorsichtig zu arbeiten und das Bild sich lösen zu lassen, während du es sanft mit dem Pinsel weiterbewegst.“
„Manche Bilder lösen sich schneller als andere. Manche schon nach ein paar Minuten, andere erst nach zwanzig Minuten oder mehr. Das hängt vom Film, von der Zeit seit der Aufnahme und von der Wassertemperatur ab. Es gibt viele Faktoren, die du nicht kontrollieren kannst. Aber wie Sally Mann sagte, kann der „Engel der Ungewissheit“ uns unerwartete, wunderbare Ergebnisse bescheren.“
9. Chemigramme
Was ist ein Chemigramm?
Chemigramme werden oft als eine Kombination aus Malerei und Fotografie beschrieben. Es sind kameralose Bilder, die mit Dunkelkammerchemie und lichtempfindlichem Papier entstehen. Neben den traditionellen Fotochemikalien können auch Haushaltsmittel wie Kaffee oder Zitronensaft verwendet werden, um abstrakte Bilder zu erzeugen. Das Verfahren geht auf das Jahr 1956 zurück, als der belgische Künstler Pierre Cordier erstmals mit Fotopapier und Nagellack experimentierte.
Wie man ein Chemigramm erstellt
Chemigramme werden hergestellt, indem vor und während der Belichtung chemische Resists wie Entwickler oder haushaltsübliche Stoffe auf das Fotopapier aufgetragen werden.
„Es ist ein leicht zu erlernender Prozess, den jeder machen kann“, erklärt der experimentelle Fotograf Mark Tamer. „Alles, was du brauchst, ist altes Fotopapier (wie man es in der Dunkelkammer verwendet), etwas Entwickler und Fixierer (leicht online zu bekommen) sowie Lust am Experimentieren und Spaß an der Sache.
Sobald du dein Fotopapier hast, kannst du es bei Tageslicht aus der Verpackung nehmen. Normalerweise wäre das eine schreckliche Idee, weil du das Papier ruinieren würdest, aber für unsere Zwecke ist das völlig okay. Die Grundidee ist, dem Papier eine Substanz hinzuzufügen, die dem Entwicklungs- und Fixierprozess „widersteht“.
Jetzt kommt der spaßige Teil. Du kannst hinzufügen, was immer du willst. Etwas Klebriges eignet sich gut, weil es eine Weile braucht, bis es sich abwaschen lässt. Schon verwendet wurden zum Beispiel Hummus, Honig, Zahnpasta, Gesichtscreme und Lippenstift. Der ganze Prozess lebt vom Experimentieren, also probier aus, was immer du in die Finger bekommst. Du kannst entweder Muster und Formen mit deinen Resists (Abdeckstoffen) gestalten oder sie einfach auf das Papier klecksen lassen.
Währenddessen wird das Papier dem Licht ausgesetzt, wodurch ein chemischer Prozess in Gang gesetzt wird. Im nächsten Schritt legst du das Papier entweder in den Entwickler oder in den Fixierer. Du kannst zwischen beiden wechseln – das bringt den chemischen Prozess durcheinander und lässt ungewöhnliche, unvorhersehbare Formen auf dem Papier entstehen. Manchmal kannst du sogar etwas Farbe aus einem Schwarzweiß-Papier herauskitzeln.“
Tipps zur Herstellung von Chemigrammen
Da Chemigramme von chemischen Reaktionen und nicht von exakter Belichtung abhängen, fallen die Ergebnisse sehr unterschiedlich aus – Experimentieren ist hier das A und O.
Marks Interesse an Chemigrammen hat sich mit der Zeit immer weiter vertieft, und es ist ein Prozess, den er zu Hause mit einfachen Mitteln erforschen kann, zum Beispiel mit altem Fotopapier aus dem Internet. „Ich glaube, der Prozess bringt dieses kindliche Staunen über die Magie der Fotografie zurück – wenn Dinge aus dem Nichts vor unseren Augen erscheinen“, sagt er.
Häufig gestellte Fragen
Was sind alternative fotografische Verfahren?
Alternative fotografische Verfahren sind nicht-digitale Techniken, die mit lichtempfindlichen Materialien, Chemie und praktischen Methoden arbeiten, um Bilder zu erzeugen. Beispiele sind Tintypie-Fotografie, Cyanotypien, Fotogramme und Chemigramme.
Sind alternative fotografische Verfahren für Anfänger geeignet?
Ja, viele alternative fotografische Verfahren eignen sich gut für Anfänger. Techniken wie Fotogramme, Lumen Prints und Cyanotypien erfordern nur wenig Ausrüstung und sind ein idealer Einstieg zum Experimentieren.
Ist für alternative fotografische Verfahren eine Dunkelkammer erforderlich?
Nicht alle alternativen fotografischen Verfahren erfordern eine Dunkelkammer. Während Tintypie-Fotografie und Chemigramme in der Regel kontrollierte Beleuchtung benötigen, lassen sich Verfahren wie Cyanotypien, Lumen Prints und Chlorophyllabzüge mit Sonnenlicht umsetzen.
Welches ist das dauerhafteste der alternativen fotografischen Verfahren?
Der Kohledruck gilt als eines der dauerhaftesten alternativen fotografischen Verfahren. Bei sorgfältiger Herstellung können Kohledrucke dank ihrer pigmentbasierten Zusammensetzung Jahrhunderte überdauern.
Fazit
Alternative fotografische Verfahren laden dazu ein, zu entschleunigen, zu experimentieren und sich wieder mit den greifbaren Wurzeln der Fotografie zu verbinden. Egal, ob du dich zu Cyanotypien, Chlorophyll-Abzügen oder Chemigrammen hingezogen fühlst – diese alternativen Fototechniken eröffnen unendlich viele kreative Möglichkeiten jenseits des digitalen Bildschirms. Indem du Unvollkommenheit, Geduld und praktisches Experimentieren zulässt, kannst du neue Wege entdecken, Bilder zu sehen und zu schaffen, die sich zutiefst persönlich und wirklich einzigartig anfühlen.
Über die Autoren
Feature Shoot zeigt die Arbeiten aufstrebender und etablierter Fotografen aus der ganzen Welt und hebt jene hervor, die das Medium mit überzeugenden, innovativen Projekten weiterentwickeln – mit Beiträgen von Autoren aus aller Welt.
