Pope Phoenix
Illustratore
Stati Uniti
Partner creativo di Affinity
Pope Phoenix è un creativo nato nel Bronx, con una formazione accademica in illustrazione, direzione artistica e progettazione grafica. Lavorando sia con i media digitali che con quelli tradizionali, la sua attività si concentra sull'esplorazione delle esperienze umane condivise e dei legami che ci uniscono. Il suo progetto in corso, ABOUT FACE, indaga identità, empatia e responsabilità collettive, utilizzando il ritratto come spazio di riflessione e dialogo.
Lavoro creativo
Q&A
Quando ho iniziato a riflettere su questa domanda, sono tornato al periodo in cui realizzavo illustrazioni editoriali per OKAYPLAYER. È stato uno dei progetti che ho apprezzato di più, perché univa la mia passione per l'hip-hop a un'estetica da fumetto per raccontare storie per la rivista. Ma più ci pensavo, più diventava chiaro che il lavoro per cui voglio essere conosciuto va oltre i singoli progetti. Risiede nella capacità di essere un punto di riferimento per i creativi che cercano la propria strada in un contesto in continua evoluzione, tra gestione delle critiche, pressioni economiche e relazioni con i clienti. Ho brancolato nel buio per gran parte del mio percorso di apprendimento, e oggi cerco di essere la guida che io non ho avuto crescendo.
Il mio percorso è un po' come farsi un bel taglio corto e poi decidere di lasciar ricrescere i capelli, passando per quella fase intermedia un po' imbarazzante. È un periodo fatto di errori, ridimensionamenti dell'ego, frustrazione, incredulità e quel tanto di fiducia ingiustificata che basta per andare avanti. Sono ore di preparazione, schizzi, ricerca, tentativi ed errori: innamorarsi di un'idea per poi vederla crollare durante l'esecuzione. E poi, quando tutto sembra perduto, arriva il momento in cui scatta qualcosa. I tratti prendono forma, i colori iniziano a fluire e l'idea diventa realtà. Adoro quel momento. Poi passo l'ora successiva sperando di non rovinare tutto.
Le regole creative sono curiose: esistono per aiutare gli artisti a trovare una propria voce in un mondo in cui non è sempre facile farlo. Sono una sorta di linguaggio pensato per rendere il lavoro più accessibile a chi lo fruisce. Continuo a usare delle regole nella mia pratica, almeno per ora. Il modo in cui strutturo il tratto è la mia regola imprescindibile. Suddivido gli spessori delle linee dimezzandoli progressivamente: se il tratto più spesso è 12 pt, il successivo è 6 pt, poi 3 pt. Questo sistema crea struttura e chiarezza, permettendo all'opera di mantenere coerenza e leggibilità anche nelle scene più caotiche.
La mia chicca nascosta è la modalità di fusione Cancella. Lo so, la maggior parte delle persone reagisce dicendo "ma di cosa stai parlando?", ma quella modalità di fusione è incredibile, e non ricordo di averla mai vista usare in questo modo altrove. Quando la applichi a una forma, attraversa tutti i livelli fino ad arrivare a quello più in basso nel file, che di solito è uno sfondo bianco, a seconda del progetto. A prima vista sembra piuttosto inutile... finché non inserisci la forma all'interno di un gruppo, e all'improvviso l'effetto si applica solo agli oggetti di quel gruppo. A quel punto puoi usare quella forma per cancellare gli elementi sottostanti, di fatto ritagliandoli, ma mantenendo tutto non distruttivo. Ti permette di tornare in qualsiasi momento sul lavoro e apportare modifiche. Una vera delizia.
Le maschere di ritaglio. Lo so, può sembrare strano, ma la facilità con cui si creano (basta trascinare gli elementi uno dentro l'altro) ha accelerato enormemente il mio flusso di lavoro. Inoltre, puoi annidarle su più livelli; è pazzesco. Ho file con più livelli annidati del numero di appartamenti di certi edifici del Bronx.
