9 processi fotografici alternativi che ogni fotografo dovrebbe provare

I processi fotografici alternativi sono tecniche sperimentali pratiche che vanno oltre la fotografia digitale e utilizzano la luce, la chimica e i materiali fisici per creare immagini uniche. Dalla fotografia tintometrica ai chimigrammi, questi metodi fotografici alternativi invitano i fotografi a rallentare e a riconnettersi con le radici del mezzo.

Negli ultimi anni, i processi alternativi hanno avuto una rinascita, con community Instagram come @alternativeprocesses che sostengono una nuova generazione di artisti ispirati dalle tecniche storiche e dalle fotografie realizzate a mano.

Abbiamo intervistato nove straordinari artisti in merito ai processi fotografici alternativi a loro più cari, dalla stampa al carbone ai chimigrammi. Anche se abbiamo appena scalfito la superficie, ecco alcune tecniche che ogni fotografo dovrebbe provare almeno una volta, oltre ai consigli per iniziare.

1. Fotografia tintometrica

Cos’è la fotografia tintometrica?

I "ferrotipi", usati per la fotografia tintometrica, sono emersi per la prima volta negli anni '50 del XIX secolo. Come si può intuire dal nome, con i ferrotipi della fotografia tintometrica è prevista l'elaborazione di immagini su sottili lastre di metallo, solitamente di ferro. I ferrotipi possono essere creati con il metodo alla gelatina (a secco) o al collodio (a umido).

"In un'epoca in cui la maggior parte delle fotografie vive sugli hard disk o nei nostri smartphone, i ferrotipi sono oggetti fisici che possono durare per generazioni", spiega Josh Wool, fotografo ritrattista di Brooklyn che utilizza il metodo della lastra umida e una camera oscura portatile. "La particolare miscela dei prodotti chimici utilizzati nel processo restituisce una tonalità e una consistenza che nessun altro mezzo offre".

Come fare la fotografia tintometrica

La fotografia tintometrica è un processo che produce un'immagine positiva diretta su una sottile lastra di metallo. Per iniziare, è necessario disporre di una lastra di metallo preparata, una fotocamera di grande formato, un obiettivo e l'accesso a una camera oscura o a uno spazio di lavoro controllato, in base al metodo scelto.

Esistono due approcci principali alla fotografia tintometrica: la lastra a umido e la lastra a secco. Nella fotografia tintometrica a lastra umida, la lastra metallica viene rivestita da una miscela di collodio fotosensibile, posta in un bagno di nitrato d'argento e quindi esposta nella fotocamera mentre è ancora umida. La lastra deve essere sviluppata e fissata immediatamente prima che si asciughi, motivo per cui la fotografia tintometrica a lastre umide richiede in genere una camera oscura portatile e un'attenta tempistica.

La fotografia tintometrica a lastra a secco utilizza emulsioni di gelatina pre-rivestite che vengono lasciate asciugare prima dell'esposizione. Questo metodo offre tempi di lavoro più lunghi e maggiore flessibilità, poiché la lastra non deve essere sviluppata immediatamente dopo l'esposizione. Sebbene le lastre a secco siano spesso più pratiche per i principianti, possono produrre qualità tonali leggermente diverse rispetto al classico aspetto della lastra a umido.

Poiché la fotografia tintometrica prevede l'uso di sostanze chimiche e di attrezzature specifiche, si consiglia ai principianti di studiare attentamente il processo e di attenersi alle indicazioni di sicurezza prima di iniziare.

Suggerimenti per la fotografia tintometrica

Il consiglio numero uno di Josh per gli aspiranti fotografi tintometrici è semplice: studiare. "È un processo molto complesso e può essere potenzialmente pericoloso se non si fa attenzione a come utilizzare e conservare le sostanze chimiche", ci dice. "Uno degli errori più comuni che si commettono nella fotografia tintometrica è quello di non mantenere i prodotti chimici e l'attrezzatura puliti e ben conservati. Da qui deriva la maggior parte dei problemi che si presentano.

"Un altro grave errore è cercare di affrettare la curva di apprendimento. Comprendere le sfumature del processo, in particolare il rapporto tra tempo di esposizione e tempo di sviluppo, si acquisisce con la pratica. Non è una curva di apprendimento rapida, quindi la pazienza e la perseveranza sono fondamentali".

2. Fotogrammi

Cosa sono i fotogrammi?

Queste "fotografie in assenza di macchina fotografica" erano le preferite di artisti illustri da László Moholy-Nagy a Man Ray, grazie ai quali i fotogrammi hanno acquisito un ricco patrimonio storico. I fotogrammi vengono creati posizionando gli oggetti direttamente sulla carta fotosensibile ed esponendoli alla luce, producendo sagome in base alla quantità di luce intercettata.

Come realizzare fotogrammi

Per realizzare i propri fotogrammi, è molto probabile che sia necessario avere accesso a un ingranditore da camera oscura per controllare con precisione la luce che colpisce la carta fotografica.

È quindi sufficiente posizionare gli oggetti desiderati direttamente sulla carta per creare le composizioni, esporre alla luce, sviluppare e fissare le immagini (come se si stesse stampando da un negativo). Il posizionamento degli oggetti dà luogo a sagome bianche e spettrali, mentre l'area esposta alla luce si scurisce fino a diventare grigia una volta sviluppata.

"I fotogrammi sono unici perché non esiste un negativo per replicare ciò che è stato creato", spiega Pauline Woolley, artista di Nottingham, Regno Unito. "È solo luce, carta e alchimia. Viene creata un'immagine a partire da un apparato molto elementare, che affonda le sue radici nella storia della fotografia.

"I fotogrammi sono astratti e sperimentali, ma insegnano le basi del funzionamento della luce e dell'esposizione. Occorre creare una striscia di prova simile a quella che si usa per la stampa dei negativi. Inoltre, conoscere il tempo di esposizione e sapere se sia necessario aprire o chiudere il diaframma dell'obiettivo dell'ingranditore può evitare frustrazione e spreco di carta".

Suggerimenti per la creazione di fotogrammi

Variare i materiali e il posizionamento è uno dei modi più semplici per creare fotogrammi visivamente più complessi. Pauline consiglia di usare una combinazione di oggetti trasparenti, semitrasparenti e opachi nella costruzione della composizione. "Così si ottengono immagini più interessanti rispetto al posizionamento di un solo elemento sulla carta", spiega l'autrice. "Le composizioni possono essere rese più dinamiche se si posizionano gli oggetti vicino al bordo del foglio, sopra al bordo o su più fogli".

3. Lumen print

Cosa sono le stampe lumen print?

Le stampe lumen print sono un processo fotografico in assenza di fotocamera che risale ai primi esperimenti di William Henry Fox Talbot negli anni '30 del XIX secolo. Le immagini vengono create esponendo carta fotografica fotosensibile direttamente alla luce del sole, per produrre cambiamenti di colore organici e risultati inaspettati.

Come realizzare le stampe lumen print

Per realizzare stampe lumen print, servono carta fotografica alla gelatina d'argento, fissatore, vassoi per i bagni chimici, pinze e un telaio per la stampa a contatto. Anche una vecchia cornice può andare bene.

Al buio, posizionare elementi a scelta, come esemplari botanici o ritagli di carta, direttamente sulla carta prima di esporla alla luce del sole. È qui che le stampe lumen print differiscono dai fotogrammi: anziché utilizzare un ingranditore in camera oscura, è il sole a fungere da fonte luminosa. Una volta completata l'esposizione, spostare il tutto in un'area buia o sotto una luce di sicurezza, rimuovere gli elementi, lavare la carta e fissarla per alcuni minuti prima di dare un ultimo risciacquo.

Suggerimenti per la realizzazione di lumen print

Quando si realizzano lumen print, sperimentare è essenziale. I tempi di esposizione possono andare da pochi minuti a diverse ore, a seconda dell'intensità della luce solare, delle condizioni meteo e del tipo di carta fotografica utilizzata.

Per ottenere colori più ricchi, si può provare a usare carta alla gelatina d'argento scaduta e a sperimentare con diversi materiali organici, come foglie o fiori. Mantenere la carta leggermente calda durante l'esposizione può contribuire a intensificare le variazioni tonali, mentre fissare tempestivamente la stampa aiuterà a preservare i colori finali. Le lumen print sono imprevedibili per natura, per cui la variazione fa parte del processo creativo.

Come per molti dei processi alternativi qui illustrati, si noteranno alcune sovrapposizioni e si potranno anche combinare le tecniche a proprio piacimento. "Considero le mie stampe una combinazione di chimigrammi e lumen print", spiega Tom Condon, artista di Richmond. "Espongo la carta alla luce del giorno come si fa per una lumen print tradizionale, ma lavoro molto con i bagni chimici e le sostanze resistenti in camera oscura. A volte lo sviluppo dell'immagine può richiedere fino a due ore prima del lavaggio della stampa.

"L'aspetto che preferisco di questo modo di lavorare è la collaborazione che sento con i materiali che uso. Lavorare con i bagni chimici in modo pittorico richiede un'enorme dose di controllo, anche se occorre restare aperti all'elemento del caso. A volte mi sembra di danzare con la mia arte. Per quanto possa imparare su questi processi, ogni stampa mi insegna qualcosa di nuovo.

"Lavorare in questo modo, unendo le tecniche di lumen print e chimigrammi, richiede anche un'incredibile dose di pazienza. La natura sperimentale del processo significa che il numero di fallimenti sarà pari a quello dei successi. Invito chiunque sia interessato alle tecniche alternative ad accogliere di buon grado gli errori - tutti. Ogni volta che una stampa non ha l'aspetto desiderato è un'opportunità di scoperta e di crescita".

4. Cianotipie

Cosa sono le cianotipie

Le cianotipie sono strettamente correlate ai fotogrammi e alla stampa lumen print, ma sono note soprattutto per il loro caratteristico colore blu di Prussia. Questo processo fotografico alternativo produce immagini attraverso l'esposizione alla luce solare e una semplice reazione chimica, generando stampe grafiche e marcate.

Come realizzare le cianotipie

A questo punto arrivati, il processo sembrerà ormai familiare. Si parte dal creare la composizione posizionando gli oggetti o i negativi direttamente sulla carta fotosensibile, esponendola quindi alla luce del sole e immergendola poi in acqua per rivelare l'immagine. Tempi di esposizione più lunghi producono toni blu più intensi e alcuni fotografi aggiungono perossido di idrogeno per accelerare il processo di sviluppo.

"Ci sono molte ragioni che rendono speciali le cianotipie: il colore blu profondo attira l'attenzione ed è emozionante lavorare con uno dei primi processi fotografici, inventato nel 1840", racconta l'artista islandese e britannica Inga Lisa Middleton.

"È anche un processo semplice ed economico da padroneggiare. In quest'epoca di processi fotografici altamente tecnologici, è particolarmente soddisfacente creare immagini con una tecnica così poco tecnologica e così pratica, in cui la luce naturale del sole espone l'immagine e l'acqua la sviluppa e la fissa. E le possibilità offerte da carte e superfici sono infinite".

Molti fotografi si ispirano alla fotografa e botanica Anna Atkins e utilizzano le piante nelle loro cianotipie, ma il processo consente un'ampia gamma di approcci creativi. "Preferisco usare i negativi di fotografie che ho scattato io stessa o di cui ho ottenuto la licenza d'uso", dice Inga. "Uso soprattutto carta per acquerello da 200 g/m² e una lampada UV per un migliore controllo e uniformità delle stampe.

"Il colore blu ciano e il processo di lavorazione si adattano perfettamente a una serie recente a cui ho lavorato, Thoughts of Home, che presenta oggetti naturali della mia terra d'origine, l'Islanda. Il colore blu ha una connotazione nostalgica ed evoca la fresca luce blu dell'Artico".

Suggerimenti per la realizzazione di cianotipie

La manipolazione corretta dei prodotti chimici e un risciacquo accurato sono essenziali per ottenere stampe cianotipiche pulite e stabili. Inga consiglia anche di acquistare i singoli prodotti chimici e di rivestire personalmente la carta anziché affidarsi a kit preconfezionati. "È bene indossare sempre una mascherina quando si mescolano i prodotti chimici e si riveste la carta con la soluzione", avverte l'esperta. "Si tratta di un processo empirico che procede per tentativi e credo che chi lo usa finisca per individuare modalità diverse che funzionano per sé. Una cosa importante di cui assicurarsi è sciacquare bene le stampe dopo l'esposizione, per rimuovere la sfumatura verde e fissarle quindi correttamente".

5. Stampe gumoil

Cosa sono le stampe gumoil?

La stampa gumoil richiede molto tempo e lavoro, ma vale la pena. Per semplificare, il processo utilizza una miscela di gomma arabica e bicromato, luce UV e colori a olio per dare vita a un'immagine positiva. "Una stampa gumoil non può essere fatta esattamente come quella precedente", spiega Terri Cappucci, artista fotografica e conservatrice di foto con sede in Massachusetts. "Ogni stampa ha i suoi segni individuali, rendendo il risultato finale una fotografia unica, fatta a mano.

Come realizzare stampe fotografiche gumoil

La stampa fotografica gumoil inizia con la creazione di una pellicola positiva da un'immagine fotografica, che viene poi utilizzata per esporre la carta fotosensibile alla luce UV. Dopo l'esposizione, la carta viene sviluppata e preparata per poter applicare e rimuovere selettivamente la pittura a olio, rivelando l'immagine finale attraverso strati di tonalità e texture.

"Il processo prevede molte fasi, a partire dalla fotografia, al positivo su pellicola, alla carta fotosensibile, alla corretta esposizione ai raggi UV e infine alle fasi di sviluppo. Come artista e fotografa, la parte tattile della stampa gumoil è ciò che preferisco. Dopo aver applicato la vernice ad olio alla mia stampa, l'immagine inizia a palesarsi. Ma la vera magia avviene quando la vernice viene rimossa delicatamente e l'immagine appare. È come una splendida danza tra vernice usata e acqua che culmina con la rivelazione della sorpresa", ci racconta Terri.

Suggerimenti per realizzare stampe gumoil

Non è un processo facile, quindi occorre dedicare tempo per esercitarsi e studiare. "È un processo molto instabile ed è necessario sperimentare per ottenere il risultato desiderato", spiega Terri. "Non si può riuscire senza molta un'enorme pazienza la disponibilità a commettere errori e a ricominciare. È un processo empirico che procede per tentativi. La prima volta che ho provato, ho rinunciato immediatamente.

"Circa quattro anni dopo, ci ho riprovato. Però ho preso un taccuino per annotare i vari passaggi, ho realizzato molte stampe piccole e ho cercato di essere regolare quando ho iniziato a vedere dei progressi. Ci si muove davvero a piccoli passi e servono molte modifiche minime per ottenere il risultato. Ma l'emozione è reale quando si ottiene la prima stampa gumoil riconoscibile. Anche in questo caso, tutto si riduce a pazienza e perseveranza".

6. Stampa al carbone

Cos'è la stampa al carbone

Introdotta per la prima volta negli anni '50 del XIX secolo, la stampa al carbone è un processo fotografico che utilizza carta o tessuto rivestito con uno strato di gelatina contenente pigmento, anziché argento o altri sali metallici. Nota per la sua profondità e permanenza, la stampa al carbone produce immagini ricche di texture con un'eccezionale gamma tonale.

"In particolare, le stampe al carbone vantano una qualità tridimensionale che nessun altro processo possiede", ci dice Calvin Grier, stampatore professionista ed educatore.

Come funziona la stampa al carbone

Il processo di stampa al carbone prevede il trasferimento di strati di gelatina pigmentata su un supporto finale, con l'immagine che si va costruendo attraverso più esposizioni e fasi di sviluppo. Poiché l'immagine si forma a partire da pigmenti stabili anziché da metalli fotosensibili, le stampe al carbone sono considerate tra le stampe fotografiche più permanenti mai realizzate.

"È impossibile confondere una stampa al carbone con una stampa a getto d'inchiostro, cromogenica o c-print a basso costo. Il processo di trasferimento al carbone è uno dei modi più permanenti per stampare una fotografia, ma anche uno dei più rari. Anche risalendo agli albori della stampa fotografica, quando le stampe al platino e al carbone rappresentavano il massimo della qualità, le stampe al carbone erano più costose perché la loro realizzazione richiedeva molta manodopera", spiega Calvin.

"Tutte le stampe al carbone sono opere in edizione limitata, non perché l'artista abbia assegnato a caso un numero di stampe da realizzare, ma perché occorre una settimana intera per realizzare una singola stampa. Mi dà grande soddisfazione vedere queste stampe prendere vita". Per ottenere la qualità migliore, Calvin stampa a strati: "Prima stendo il giallo, poi l'ossido di ferro, quindi il magenta; con lo strato di ciano l'immagine inizia a comparire e infine con lo strato di nero tutto prende forma".

Suggerimenti per la stampa al carbone

Se è possibile, Calvin suggerisce di studiare con un maestro per comprendere a fondo il processo. "Consiglio di frequentare un workshop con qualcuno che sa quel che fa", dice. "Anch'io avrei voluto avere questa opportunità quando ho iniziato, ma le uniche tre persone al mondo che avevano le qualifiche per farlo non facevano workshop. Mi ci sono voluti quasi due anni, lavorando dodici ore al giorno, sei giorni a settimana, prima di ottenere una buona stampa". Tuttavia, nonostante le sfide che comporta la stampa al carbone, Calvin sostiene che nient'altro regga il paragone, anche dopo quasi 200 anni.

7. Stampe alla clorofilla

Cos'è la stampa alla clorofilla

Resa popolare dall'artista Binh Danh, la stampa alla clorofilla è esattamente ciò che sembra: un processo fotografico che usa foglie vive per creare immagini. Esponendo direttamente un'immagine su foglie ricche di clorofilla, i fotografi creano stampe organiche ed effimere che si collocano a metà strada tra fotografia e natura.

Come realizzare stampe alla clorofilla

Per realizzare stampe alla clorofilla occorre un foglio di acetato o un positivo dell'immagine scelta, un telaio per stampa a contatto e la luce solare diretta. L'immagine viene stampata direttamente sulle foglie vive che contengono alti livelli di clorofilla. Fogli di acetato ad alto contrasto, foglie verdi piatte e lunghi tempi di esposizione, che spesso durano giorni o addirittura settimane, tendono a produrre i risultati migliori.

Quando l'immagine è completamente sviluppata, è possibile conservare le stampe alla clorofilla utilizzando un bagno di solfato di rame o fissando la foglia in resina o vernice per rallentarne il deterioramento.

"La stampa alla clorofilla è una tecnica relativamente recente, ma ricorda immagini del passato", afferma Kimberly Halyburton Fuster, artista visiva ed educatrice cilena. "Ha qualcosa di magico perché è un processo lento in cui si osservano le variazioni tonali delle foglie man mano che ricevono l'intensità del sole.

"Quando l'ho scoperto, stavo ricercando processi fotografici ecosostenibili per lo sviluppo del mio lavoro, ed ero anche incinta, quindi non potevo usare prodotti chimici per lo sviluppo o emulsioni. Scoprire un processo fotografico in cui si utilizzano solo piante è stato fantastico. Ho fatto molte ricerche per conto mio per sviluppare il mio personale processo, giacché all'epoca nessuno teneva corsi, e ora mi sono dedicata all'insegnamento di questa tecnica".

Suggerimenti per la realizzazione di stampe alla clorofilla

Come per la maggior parte dei processi descritti in questo articolo, la stampa alla clorofilla è un processo empirico che procede per tentativi. "Occorrerà provare specie diverse di piante e petali perché non funzionerà ugualmente bene con tutte", consiglia Kimberly. "Il mio consiglio è di usare qualcosa di sottile e flessibile; esistono molti vegetali e piante selvatiche che danno buoni risultati. A seconda di dove si è nel mondo e dell'intensità del sole, potrebbero volerci da un paio d'ore a qualche settimana, quindi occorre monitorare costantemente i sottili cambiamenti di colore delle foglie".

8. Sollevamento dell'emulsione di Polaroid

Che cos'è il sollevamento dell'emulsione

Il sollevamento dell'emulsione è il processo di trasferimento dello strato di emulsione da un foglio di pellicola istantanea a un'altra superficie, solitamente la carta. Il risultato è un'immagine morbida e pittorica con texture organiche.

Come eseguire i sollevamenti dell'emulsione

Per realizzare un sollevamento dell'emulsione di Polaroid, occorre iniziare con una fotografia istantanea completamente sviluppata. Rimuovere con cura il supporto cartaceo e immergere l'immagine in acqua calda finché lo strato di emulsione non inizia a separarsi.

Una volta distaccata, sollevare delicatamente l'emulsione con dei pennelli morbidi e spostarla in galleggiamento sulla superficie prescelta, come la carta per acquerello. Mentre l'emulsione è ancora bagnata, è possibile manipolarne forma e texture prima di lasciarla asciugare naturalmente. È essenziale lavorare lentamente e con pazienza, poiché l'emulsione è fragile e si strappa facilmente.

Serviranno forbici, vaschette per acqua calda e fredda e una selezione di pennelli per sollevare e modellare l'emulsione.

"Trovo che il sollevamento dell'emulsione possa essere un'esperienza meditativa e terapeutica e persino un rituale di guarigione emotiva", ci racconta Isabel Herrera, fotografa istantanea e artista di Città del Guatemala.

"Dal momento in cui decido di sollevare una particolare foto Polaroid che ha attirato la mia attenzione, cerco un momento in cui posso essere sola, indisturbata e senza distrazioni, in completo silenzio. Non so mai cosa verrà fuori come prodotto finale ed è questo ciò che mi piace di più.

"Penso all'esperienza del sollevamento dell'emulsione come a un'allegoria della vita: spero o mi auguro che l'emulsione venga fuori con una certa forma, colore o texture, ma mentre mi applico lentamente e con attenzione al sollevamento dell'immagine, essa rivela il percorso o il risultato che vuole darmi. A volte è gratificante, a volte è frustrante, ma non smette mai di sorprendermi e di stupirmi".

Suggerimenti per la creazione di sollevamenti dell'emulsione

Il consiglio di Isabel è di buttarsi a capofitto. "So che molti esitano a provare il sollevamento dell'emulsione a causa del processo delicato e della pazienza necessaria, o per paura di rovinare le loro immagini Polaroid perfettamente valide", ammette l'autrice. "Ma come per tutte le cose nuove, l'unico modo per imparare a gestirle è provare e fare pratica. Consiglio di utilizzare foto che non dispiace troppo che si rovinino - foto che non sono venute bene come ci si aspettava. Suggerisco inoltre di provare a usare la pellicola in bianco e nero prima della pellicola a colori, perché è molto più facile da sollevare.

"Consiglio di esercitarsi usando temperature dell'acqua diverse nei contenitori (per me l'acqua tiepida funziona meglio) e usando pennelli e movimenti diversi durante il sollevamento. In genere ho tre o quattro pennelli a portata di mano, ognuno con punte e larghezze diverse. Con il tempo, si impara a capire quale sia il pennello giusto. Suggerisco inoltre di utilizzare carta per acquerello a grana più spessa, poiché consente di lavorare più a lungo l'immagine sommersa mentre si attacca alla carta".

Delicatezza innanzi tutto. "Cercare di sollevare l'immagine troppo velocemente o bruscamente prima che sia pronta può strappare l'immagine", spiega Isabel. "È importante lavorare lentamente e con attenzione, lasciando che l'immagine si stacchi mentre la si spinge dolcemente con il pennello.

"Alcune immagini si staccano più velocemente di altre; alcune si separano dopo pochi minuti, altre invece impiegano fino a venti minuti o più. Tutto dipende dalla pellicola, dal tempo trascorso dallo scatto e dalla temperatura dell'acqua. Ci sono molti fattori che non si possono controllare, ma come ha detto Sally Mann, 'l'angelo dell'incertezza' può offrirci risultati inaspettati e meravigliosi".

9. Chimigrammi

Che cos'è un chimigramma

Spesso descritti come una combinazione di pittura e fotografia, i chimigrammi sono immagini fotografiche in assenza di fotocamera realizzate con i bagni chimici della camera oscura e carta fotosensibile. Oltre ai tradizionali prodotti chimici per la fotografia, per creare immagini astratte si possono usare anche materiali domestici come il caffè o il succo di limone. Il processo risale al 1956, quando l'artista belga Pierre Cordier sperimentò per la prima volta con la carta fotografica e lo smalto per unghie.

Come realizzare un chimigramma

I chimigrammi vengono realizzati applicando sostanze chimiche resistenti, come rivelatori o prodotti domestici, alla carta fotografica prima e durante l’esposizione alla luce.

"È un processo facile da imparare e che chiunque può fare", ci racconta il fotografo sperimentale Mark Tamer. "Tutto quel che serve è della vecchia carta fotografica (quella utilizzata in camera oscura), un po' di rivelatore e di fissatore (facilmente acquistabili online) e un po' di senso di sperimentazione e divertimento.

"Una volta ottenuta la carta fotografica, è possibile estrarla dal sacchetto alla luce del giorno. Questa sarebbe in genere una pessima idea perché rovinerebbe la carta, ma per i nostri scopi va bene. L’idea di fondo è quella di applicare una sostanza alla carta che possa ‘resistere’ al processo di sviluppo e fissaggio.

"Questa è la parte più divertente. Si può aggiungere tutto ciò che si desidera. Le sostanze appiccicose funzionano bene, perché lavarle via richiede del tempo. In passato sono stati utilizzati hummus, miele, dentifricio, crema per il viso e rossetto. Si tratta di un processo di sperimentazione, quindi vale la pena provare con tutto ciò che si riesce a trovare. È possibile formare motivi e forme con le sostanze resistenti, oppure lasciarle semplicemente colare sulla carta.

"E mentre si sperimentano tutte queste possibilità, la carta viene esposta alla luce, dando inizio a un processo chimico. La fase successiva consiste nell'immergere la carta nel rivelatore o nel fissatore. È possibile alternare i due metodi, il che altera il processo chimico e fa emergere sulla carta forme insolite e imprevedibili. A volte si riesce a ottenere un po' di colore anche da un foglio in bianco e nero".

Suggerimenti per realizzare un chimigramma

Poiché i chimigrammi dipendono da reazioni chimiche anziché da un'esposizione precisa, i risultati possono variare notevolmente e la sperimentazione è fondamentale.

L'interesse di Mark per i chimigrammi si è consolidato nel tempo ed è un processo che può esplorare a casa con mezzi limitati, tra cui vecchia carta fotografica trovata online. "Penso che il processo contribuisca a restituirci il senso infantile della meraviglia per la magia della fotografia, quando le cose appaiono dal nulla davanti ai nostri occhi", dice.

Domande frequenti

Cosa sono i processi fotografici alternativi?

I processi fotografici alternativi sono tecniche non digitali che si basano su materiali fotosensibili, sulla chimica e su metodi pratici per creare immagini. Ne sono un esempio la fotografia tintometrica, le cianotipie, i fotogrammi e i chimigrammi.

I processi fotografici alternativi sono adatti ai principianti?

Sì, molti processi fotografici alternativi sono adatti ai principianti. Tecniche come i fotogrammi, le stampe lumen print e le cianotipie richiedono un'attrezzatura minima e sono un ottimo punto di partenza per la sperimentazione.

I processi fotografici alternativi richiedono una camera oscura?

Non tutti i processi fotografici alternativi richiedono una camera oscura. Mentre la fotografia tintometrica e i chimigrammi richiedono in genere un'illuminazione controllata, per processi come le cianotipie, le stampe lumen print e la stampa alla clorofilla occorre solo la luce del sole.

Qual è il processo fotografico alternativo più permanente?

La stampa al carbone è considerata uno dei processi fotografici alternativi più permanenti. Se realizzate correttamente, le stampe al carbone possono durare per secoli grazie alla loro chimica a base di pigmenti.

Conclusione

I processi fotografici alternativi inducono i fotografi a rallentare, a sperimentare e a rientrare in contatto con le radici fisiche della fotografia. Che si sia attratti dalla cianotipia, dalla stampa alla clorofilla o dai chimigrammi, queste tecniche fotografiche alternative offrono infinite possibilità creative al di là dello schermo digitale. Accogliendo l'imperfezione, la pazienza e la sperimentazione pratica, i fotografi possono scoprire nuovi metodi per vedere e realizzare immagini che sentono profondamente personali e uniche.

Informazioni sul collaboratore

Feature Shoot presenta il lavoro di fotografi emergenti e affermati in tutto il mondo, e in particolare di coloro che stanno trasformando il mondo della fotografia attraverso progetti avvincenti e all’avanguardia, con contributi di autori di tutto il mondo.