Pope Phoenix
illustrador
Estados Unidos
Colaborador creativo de Affinity
Pope Phoenix es un creativo nacido en el Bronx con formación académica en ilustración, dirección artística y diseño gráfico. Trabaja con medios digitales y tradicionales, y su obra se centra en la reflexión sobre las experiencias humanas y las conexiones que nos unen. Su proyecto actual, ABOUT FACE, trata sobre la identidad, la empatía y las responsabilidades que tenemos los unos con los otros, y utiliza el retrato como espacio para la reflexión y el diálogo.
Trabajo creativo
Preguntas y respuestas
Cuando me planteé esa pregunta por primera vez, recordé la época en la que hacía ilustraciones editoriales para OKAYPLAYER. Fue uno de mis proyectos favoritos, ya que combinaba mi pasión por el hip-hop con la estética de los cómics para crear historias que se publicaban en la revista. Pero, cuanto más reflexionaba, más claro tenía que quería ser conocido por algo más que por proyectos específicos. Mi objetivo es apoyar a los creativos que buscan su camino en un panorama en constante evolución, ayudándoles a lidiar con las críticas, la presión financiera y las relaciones con los clientes. Yo mismo lo pasé mal durante gran parte de ese proceso de aprendizaje y ahora intento ser el guía que a mí me faltó cuando empecé.
El proceso es como cuando te haces un corte de pelo bien corto y luego decides dejártelo crecer, pasando por esa fase intermedia tan incómoda. Esa fase está llena de contratiempos, crisis de ego, frustración, incredulidad y la dosis justa de confianza infundada para seguir adelante. Son horas de preparación, bocetos, investigación, prueba y error: enamorarte de una idea solo para ver cómo se desmorona al ponerla en práctica. Entonces, cuando todo parece perdido, surge la inspiración. Las líneas cobran vida, los colores empiezan a fluir y el concepto se hace realidad. Me encanta ese momento. Luego paso la siguiente hora deseando no estropearlo.
Las reglas creativas son curiosas, porque están ahí para que los artistas encuentren su voz en un mundo donde eso puede resultar difícil: un lenguaje diseñado para que la obra resulte más atractiva para el público. Yo sigo usando reglas en mi trabajo, al menos por ahora. Mi regla de oro es la forma en que estructuro las líneas. Divido los grosores de línea por dos: si el trazo más grueso que utilizo es de 12 pt, el siguiente será de 6 pt y luego de 3 pt. Este sistema aporta estructura y claridad, lo que permite que la obra mantenga su coherencia, incluso en las escenas más caóticas.
La herramienta que más me gusta es el modo de fusión “Borrar”. Lo sé, la mayoría de la gente reacciona diciendo: “¿De qué estás hablando?”, pero ese modo de fusión es genial y no recuerdo haberlo visto así en ningún otro sitio. Cuando lo aplicas a una forma, atraviesa todas las capas hasta llegar a la más baja del archivo, que suele ser un fondo blanco, dependiendo de lo que estés haciendo. Al principio no parece muy útil, pero si colocas esa forma dentro de un grupo, de repente solo afecta a los objetos de ese grupo. Ahora puedes usar esa forma para borrar los objetos que hay debajo y recortar elementos sin que se pierda nada. Puedes deshacer los cambios cuando quieras. Es una auténtica delicia.
Máscaras de recorte. Sé que suena raro, pero la facilidad con la que se crean —basta con arrastrar y soltar elementos unos sobre otros— agilizó muchísimo mi flujo de trabajo. Además, puedes anidarlos en varios niveles, es increíble. Tengo archivos con más capas anidadas que algunos bloques de apartamentos del Bronx.
