9 conseils de pro pour créer des photographies cinématiques
Certaines photographies ressemblent instantanément à des scènes de film, non seulement en raison de leur format, mais aussi parce qu’elles transmettent une émotion, un état d’esprit et une histoire en une seule image. Qu’il s’agisse d’un éclairage dramatique, d’un étalonnage riche, d’un grain subtil ou d’un contraste fort, la photographie cinématographique s’inspire largement du langage cinématographique.
Aujourd’hui, de plus en plus de photographes adoptent des techniques cinématographiques pour rehausser leurs images - en façonnant la lumière, en ajustant les réglages de l’appareil photo et en utilisant la post-production pour créer une atmosphère. Dans ce guide, cinq conteurs visuels partagent leurs meilleurs conseils pour créer des photos cinématographiques immersives, expressives et dignes d’un film, afin que vous puissiez commencer à développer les vôtres.
1. S’inspirer
L’aspect délicat de la tendance "photographie cinématographique" est que le terme "cinématographique" peut être difficile à définir, alors commencez par le définir vous-même. Le terme "cinématographique" peut recouvrir presque tout, du style plat et minimal en vogue actuellement au style très contrasté de David Fincher", explique Ian Howorth, artiste et auteur basé à Brighton. "Regardez beaucoup de films et voyez comment les choses sont faites. Étudier l’utilisation de la lumière, les rapports d’éclairage et leur application. Si vous filmez, un posemètre vous apprendra beaucoup de choses sur la lumière et le fonctionnement des rapports ; la façon dont vous choisissez d’exposer a un effet dramatique sur vos prises de vue".
Commencez à créer un tableau d’humeur ou d’inspiration et voyez si des thèmes se dégagent. "Chaque directeur de la photographie que j’admire a des qualités différentes", admet Ian. "J’aime Jordan Cronenweth pour son incroyable utilisation de la texture et, bien sûr, de l’éclairage à fort contraste ; Roger Deakins pour son incroyable talent à donner à ses films un aspect si naturel qu’on a l’impression qu’ils n’ont pas été éclairés ; Robby Muller pour sa maîtrise de la couleur et de la composition ; et Frederick Elmes pour son utilisation audacieuse de l’ambiance et d’une lumière très douce".
2. Prendre des photos à l’heure dorée
Les photos cinématographiques s’appuient souvent sur les tons chauds de l’heure dorée ou sur les teintes froides et sombres de l’heure bleue. Ces deux conditions d’éclairage contribuent à créer de la profondeur, du drame et de l’émotion, en particulier lors de la prise de vue en lumière naturelle. La photographe Olaia Macías est une fervente adepte de la lumière matinale. "Je dirais que près de 90% de mes photos sont prises à l’aube ou au petit matin", nous dit-elle.
À cette heure de la journée, la lumière est douce mais directionnelle, projetant de longues ombres et donnant de la forme à votre scène. Le brouillard matinal est également plus fréquent, et Olaia l’utilise pour conférer à ses images une atmosphère onirique et cinématographique. Elle s’inspire du langage visuel de The Piano de Jane Campion, ainsi que des œuvres de Tim Burton et de Francis Ford Coppola.
3. Ne pas sortir après la tombée de la nuit
Alors que de nombreux photographes préfèrent la lumière du matin, l’heure dorée et l’heure bleue se produisent deux fois par jour, ce qui permet de prendre des photos à la fois au lever et au coucher du soleil. La photographe et réalisatrice Natascia Mercurio, connue professionnellement sous le nom de Natybtw, commence souvent son travail lorsque la lumière du jour décline. "Je prends surtout des photos du coucher du soleil à l’heure bleue et jusqu’au ciel noir", nous dit-elle. "À chaque moment de la nuit, vous pouvez transmettre des sentiments différents et mettre l’accent sur des tonalités différentes.
La prise de vue de nuit ouvre des possibilités créatives avec les sources de lumière disponibles telles que les lampadaires, les phares de voiture ou les enseignes au néon, qui ajoutent une qualité cinématographique à l’image. Pour la photographie de rue, Naty utilise uniquement la lumière déjà présente dans la scène. Pour les portraits, elle opte pour des LED portables en continu, ce qui lui permet de contrôler et de prévisualiser la direction et la qualité de la lumière en temps réel.
4. Utiliser les conditions météorologiques à votre avantage
Les conditions météorologiques peuvent jouer un rôle important dans l’obtention d’une image cinématographique. Naty s’intéresse au brouillard et à la pluie pour renforcer l’ambiance et la profondeur visuelle. Gardez un œil sur les prévisions météorologiques : ces conditions peuvent complètement transformer une scène.
En milieu urbain, la prise de vue juste après une averse peut ajouter un effet dramatique grâce aux reflets et aux surfaces mouillées, en particulier lorsqu’elle est associée à des néons la nuit. Dans les zones rurales, le brouillard crée une atmosphère douce et immersive qui rappelle les films de science-fiction classiques.
5. Adopter le film (même les stocks les plus rares)
Le photographe analogique Francesco Aglieri Rinella attribue ses clichés atmosphériques à l’utilisation de films négatifs, notamment CineStill800T (nuit) et Cinestill 50d (lumière du jour), tous deux basés sur des films cinématographiques. "Mes films préférés comprennent également des films beaucoup plus rares, comme le Kodak Portra 100T, qui n’est plus utilisé", explique Francesco. "Ces émulsions particulières ont la capacité de maintenir les lumières et les ombres très claires et définies, créant ainsi l’aspect cinématographique que nous voyons dans les films avec un bon niveau de contraste".
Francesco s’inspire des films de Wes Anderson, Quentin Tarantino et Christopher Nolan, une influence cinématographique qui se reflète clairement dans les images ci-dessus et ci-dessous.
6. Essayer le rétroéclairage
Très apprécié par des cinéastes comme Terrence Malick, le contre-jour crée une lueur enchanteresse autour de votre sujet. Vous pouvez utiliser la lumière naturelle à l’heure dorée pour créer cet effet ou la lumière artificielle après la tombée de la nuit, comme l’a fait Francesco dans le portrait ci-dessus.
7. Ouvrez cette fenêtre
Dans le portrait de Ian ci-dessus, la faible profondeur de champ crée un effet bokeh saisissant qui ajoute une qualité onirique et cinématographique. L’utilisation d’une grande ouverture permet d’estomper l’arrière-plan, d’attirer l’attention sur le sujet tout en créant une impression de profondeur et de séparation. Vous remarquerez une utilisation similaire du bokeh dans le portrait de Naty ci-dessous, qui renforce l’ambiance et la mise au point de l’image.
8. Jouer avec les courbes
Le photographe Diyar Shahbaz travaille souvent avec des sources de lumière artificielle vibrante, ce qui fait de la post-production une étape cruciale de son processus. "La plupart du temps, je tourne avec des néons et d’autres sources de lumière, et je dois donc m’assurer que les couleurs sont correctes en post-production", explique-t-il.
Avant de se lancer dans des montages créatifs, il est essentiel de commencer par une correction des couleurs de base pour garantir la cohérence et la précision. Une fois cette base établie, vous pouvez utiliser l’étalonnage pour façonner l’ambiance et le ton de votre image.
L’outil d’ajustement des courbes est particulièrement efficace pour la photographie cinématographique. Il vous permet d’affiner vos ombres, vos hautes lumières, votre point noir et votre point blanc. Une courbe "S" subtile peut renforcer le contraste, tandis que le réglage fin des canaux de couleur individuels vous permet de modifier l’ambiance générale, de la chaleur et de la nostalgie à la froideur et à l’humeur. Diyar utilise les courbes pour renforcer l’ambiance de ses images, les transformant de chaudes à froides et vice-versa.
9. Faire ressortir les couleurs complémentaires
Lors de l’étalonnage, envisagez une palette complémentaire, telle que la combinaison orange et sarcelle/bleu, toujours très populaire. Vous n’êtes pas limité à ces deux couleurs, consultez le cercle chromatique pour trouver la paire qui vous convient. "Les gens définiraient ma palette de couleurs comme la sarcelle et l’orange classiques, mais c’est quelque chose de plus : une sarcelle poussée à l’extrême et un orange débordant d’éclat et de richesse", explique Naty.
Lors de l’étalonnage de vos images, l’utilisation de paires de couleurs complémentaires permet d’ajouter instantanément un intérêt visuel et un aspect cinématographique. L’une des combinaisons les plus populaires est celle de la sarcelle et de l’orange, connue pour son contraste saisissant et sa profondeur émotionnelle. Mais vous n’êtes pas limité à cela : explorez la roue des couleurs pour trouver des paires qui conviennent à votre style et à votre sujet. "Les gens définiraient ma palette de couleurs comme la sarcelle et l’orange classiques, mais c’est quelque chose de plus : une sarcelle poussée à l’extrême et un orange débordant d’éclat et de richesse", explique Naty.
L’utilisation audacieuse de couleurs complémentaires peut rehausser vos images et créer une esthétique mémorable, inspirée du cinéma.
Prêt à créer vos propres plans cinématographiques ?
Grâce à ces conseils et techniques de photographes expérimentés, vous êtes prêt à donner une qualité cinématographique à vos propres images, une image à la fois. Alors, prenez votre appareil photo, jouez avec la lumière et commencez à créer des scènes qui semblent avoir leur place sur le grand écran. Et lorsque le moment est venu d’affiner les couleurs et les détails, les puissants outils de retouche photo d’Affinity peuvent vous aider à transformer chaque cliché en quelque chose de véritablement cinématographique.
À propos du contributeur
Feature Shoot présente le travail de photographes émergents et établis dans le monde entier, en mettant en lumière ceux qui transforment le médium grâce à des projets convaincants et avant-gardistes, avec des contributions d’écrivains du monde entier.
