Comment trouver et créer son propre style photographique

Dans le monde saturé de contenu d’aujourd’hui, développer un style photographique distinctif est l’un des meilleurs moyens de faire remarquer votre travail, et de le rendre mémorable. Que ce soit à travers un objectif inhabituel, un préréglage personnalisé, ou une approche unique de la retouche, créer une signature visuelle propre vous distingue et rend vos images immédiatement reconnaissables.

« Être identifiable est essentiel à l’ère du numérique, car les gens font défiler si vite que vous n’avez qu’une seconde pour capter leur attention », explique Mischelle Moy, photographe basée à New York.

« Le fait d’avoir développé un style reconnaissable a clairement servi mon travail : mes photos se sont diffusées plus largement sur les plateformes, m’aidant à faire grandir mon audience. Cela m’a poussé à créer davantage et à partager encore plus, ce qui a finalement débouché sur de belles opportunités. »

Pour mieux comprendre comment trouver votre style photographique et ce qu’il faut pour le développer, nous avons interrogé sept photographes aux esthétiques très différentes, mais toutes immédiatement reconnaissables, afin qu’ils partagent leurs meilleurs conseils.

1. Commencez par la retouche manuelle

L’un des meilleurs moyens de développer votre style photographique est de maîtriser les outils de post-traitement dans leurs moindres détails. Plutôt que de vous reposer uniquement sur des préréglages, apprenez à effectuer vos ajustements manuellement, afin de comprendre précisément comment chaque outil façonne vos images.

« J’ai bien appris à utiliser la courbe de tonalité en téléchargeant des préréglages, pour voir comment chaque courbe influait sur l’image, mais je n’oubliais jamais de modifier chaque paramètre manuellement pendant le post-traitement, du début à la fin », raconte Mischelle.

« Chaque image peut sembler similaire, mais aucune n’a été traitée de la même manière. Je pratique cela depuis mes débuts. Expérimenter différentes techniques dans le logiciel a clairement joué un rôle majeur dans la définition de mon style. »

Ses premières expérimentations consistaient notamment à explorer les palettes de couleurs de manière créative. « Au départ, je jouais beaucoup avec les dégradés dans les horizons et les ciels. J’étudiais toutes les palettes de coucher de soleil, puis j’allais plus loin en les tordant jusqu’à obtenir des néons de verts et de bleus imitant les aurores boréales. Ensuite, je me suis intéressée aux teintes naturelles des feuilles (celles que l’appareil capture) pour les transformer en rouges, violets ou bleus électriques. »

« Ce qui m’a beaucoup aidée à comprendre les multiples usages de chaque outil, c’est tout simplement de jouer avec eux. Et si vous avez du mal à comprendre leur fonctionnement, téléchargez un préréglage, puis amusez-vous à tout modifier : les courbes, les calques, les modes de fusion, etc. Une fois ces outils maîtrisés, vous connaîtrez leurs limites et saurez les plier à vos besoins. »

Même lorsqu’on devient plus à l’aise, les préréglages peuvent toujours faire gagner du temps, mais Mischelle insiste sur l’importance de la personnalisation : « Une fois que vous avez pris l’habitude de travailler ainsi, vous réalisez que créer vos propres préréglages vaut mieux que d’utiliser ceux des autres. Cela fait gagner du temps, oui, mais gardez à l’esprit que chaque réglage peut, et doit, être ajusté. »

En commençant par la retouche manuelle, vous développez une base technique solide pour créer votre propre style photographique, et façonner des images qui vous ressemblent vraiment.

2. Faites de la photographie une pratique quotidienne

La régularité est l’un des meilleurs moyens de progresser en tant que photographe. En photographiant tous les jours, vous vous offrez l’espace nécessaire pour expérimenter, faire des erreurs, et découvrir peu à peu ce qui définit votre style.

« Au début, je prenais des photos en permanence, et je regardais aussi beaucoup le travail d’autres photographes », se souvient Natalie Christensen, artiste basée à Santa Fe. « J’essayais d’imiter ce qui m’attirait le plus, alors je pratiquais encore et encore. Il m’a fallu environ dix-huit mois pour trouver mon style, et je photographiais pendant des heures chaque jour. »

À cette étape, concentrez-vous moins sur la perfection technique et plus sur votre intuition. « J’ai dû apprendre seule à utiliser un appareil photo, et j’ai aussi appris les bases du post-traitement, mais je me suis arrêtée là », ajoute Natalie. « Pour moi, tout commence par le fait de voir. Je veux ressentir quelque chose quand je regarde mes images, et si je deviens trop technique, je perds cet aspect. »

Pratiquer au quotidien vous aide à affiner votre vision, renforcer vos compétences, et développer un style photographique qui vous ressemble vraiment.

3. Discutez de votre travail avec d’autres

Recevoir des retours et discuter de votre travail avec des mentors, pairs ou critiques peut être une étape décisive dans le développement de votre style. Le fait d’échanger vos idées à voix haute vous aide souvent à identifier des schémas récurrents et à clarifier votre voix artistique.

« À l’époque, je travaillais avec deux mentors qui m’ont posé des questions m’aidant à comprendre que j’étais sur la bonne voie », raconte Natalie. « Ils m’ont aussi appris l’importance de la mise en séquence et du fait de parler de son propre travail. »

Les revues de portfolio peuvent aussi être des moments transformateurs. « J’ai fait ma première revue de portfolio en 2017. » Le simple fait de postuler et de me préparer à cet événement a marqué un vrai tournant. Le processus impliquait de choisir, ordonner, présenter et imprimer mes photos, puis de parler de mon travail aux critiques. Tout cela m’a confirmé que mon “style” était ma voix artistique, et que je devais continuer à la développer. »

4. Constituez une collection d’images inspirantes

L’une des manières les plus simples de trouver votre style est de vous entourer d’œuvres qui vous inspirent. Observer et étudier les images que vous admirez, qu’elles viennent d’autres artistes, de magazines ou de plateformes comme Instagram, vous aide à identifier les thèmes, les ambiances et les techniques qui résonnent le plus avec votre propre vision.

Éloïse et Luc, les photographes derrière le duo créatif L’œil d’Eos, sont connus pour leurs paysages oniriques et luxuriants, capturés au fil de leurs aventures autour du monde. Ils gèrent également le hub Instagram Explore Observe Share, où ils mettent en avant le travail d’autres artistes.

« Instagram est une excellente source d’inspiration pour découvrir de nouvelles tendances artistiques », explique Éloïse. « Nous n’avons pas forcément de moodboard à proprement parler, mais nous sommes toujours à la recherche de nouveaux artistes à mettre en avant. Nous voyons passer énormément d’images chaque jour grâce à la plateforme, et je pense que cela influence notre propre travail. »

Bien sûr, vous n’avez pas besoin de diriger une communauté pour adopter cette approche. Il suffit parfois de créer un dossier d’images inspirantes pour nourrir vos idées et faire évoluer votre style photographique au fil du temps.

5. Expérimentez avec l’appareil photo de votre téléphone

Lorsqu’il s’agit de développer votre style photographique, le meilleur appareil est souvent celui que vous avez sur vous. Même si les appareils haut de gamme ont leurs avantages, un smartphone est largement suffisant pour pratiquer, expérimenter et affiner votre regard.

« J’ai suivi quelques cours de photographie argentique à l’université, mais mon “style” a vraiment commencé à émerger à l’époque où l’iPhone est sorti, grâce à sa simplicité d’utilisation », explique le directeur artistique et photographe Brenton Clarke Little.

6. Essayez aussi les techniques analogiques

Explorer à la fois les techniques numériques et analogiques est un excellent moyen de façonner votre style photographique. Expérimenter avec différents outils peut conduire à des résultats surprenants et vous aider à affirmer votre voix artistique.

« Utilisez tous les outils numériques et analogiques à votre disposition », conseille Navina Khatib, artiste basée à Berlin. « J’ai toujours aimé jouer avec des filtres analogiques, comme les lentilles kaléidoscopiques, le papier transparent ou la feuille d’aluminium, et j’ai souvent superposé plusieurs couches ou utilisé des techniques de double exposition. Personnellement, je trouve que le débat numérique contre argentique est sans fin et peu utile. Ne vous en souciez pas trop. Essayez les deux. Faites ce qui vous rend heureux et vous donne confiance en vous ».

7. Partagez votre travail publiquement

Partager vos photos en ligne est l’un des meilleurs moyens d’obtenir des retours et de découvrir comment les autres perçoivent vos images. Les regards extérieurs peuvent vous aider à repérer des thèmes, des ambiances ou des motifs que vous n’aviez peut-être pas remarqués dans votre propre travail.

« Une étape importante a été de publier mes photos sur Instagram pour la première fois en 2017 », raconte Navina. « J’ai rapidement gagné en visibilité et reçu énormément de retours positifs, ce qui m’a donné envie d’y consacrer encore plus de temps. Au fil des années, beaucoup de gens m’ont écrit pour me dire que mes photos leur procuraient un sentiment de paix. Certains les utilisent même pour méditer. »

Qu’il s’agisse des réseaux sociaux, d’expositions ou de communautés en ligne, le fait de rendre votre travail public vous permet de voir comment votre style entre en résonance avec les autres, et vous aide à affirmer votre voix artistique.

8. Laissez les voyages influencer votre vision

Parfois, trouver l’inspiration dans de nouveaux environnements peut s’avérer essentiel pour découvrir ou affiner son style photographique. De nombreux photographes avec lesquels nous nous sommes entretenus ont attribué à des lieux spécifiques le mérite d’avoir façonné leur vision créative. Par exemple, Natalie Christensen dit qu’elle ne se considérait pas comme une artiste avant de s’installer à Santa Fe, où la lumière et l’architecture uniques de la ville ont transformé son travail. Navina Khatib cite les paysages surréalistes du Salar de Uyuni en Bolivie comme une influence déterminante dans sa carrière, tandis qu’Eloïse et Luc expliquent comment les voyages à travers le monde continuent d’influencer leur esthétique.

« Un tournant dans mon projet Atmospherics a été un voyage en Islande en 2015, au cours duquel j’ai eu l’occasion de découvrir la lumière de cette région du monde », se souvient Ross Buswell, photographe et graphiste basé à Vancouver.

« Depuis, je suis accro aux vastes paysages nordiques. Je pense que j’essaie maintenant d’intégrer ce que j’ai appris sur la lumière de ces lieux dans toutes mes images de paysages. La capture de la lumière, de l’ambiance, de la couleur et de la texture dans la même image m’intéressent vraiment, mais j’aime aussi que mes images aient une profondeur analogique chaleureuse ».

Explorer de nouveaux endroits ne permet pas seulement d’élargir ses perspectives. Cela peut également susciter des idées qui vous aideront à développer un style photographique fondé sur la lumière, la couleur et l’atmosphère propres aux paysages que vous découvrez.

9. Au-delà des tendances

Les tendances en matière d’édition et d’esthétique vont et viennent, mais si vous souhaitez créer votre propre style photographique, il est important de ne pas vous fier à ce qui est populaire en ce moment. Courir après les modes peut limiter votre croissance, alors que les images intemporelles émergent souvent en développant votre propre voix.

« J’essaie d’éviter les tendances en matière d’esthétique de l’image », explique M. Ross. « Je pense qu’une bonne image est intemporelle. En tant que graphiste et concepteur d’images pour les pochettes d’album, je suis toujours conscient de ces tendances, mais j’essaie de ne pas trop me laisser piéger par les styles esthétiques. Ce qui était à la mode il y a cinq ans le sera probablement à nouveau dans cinq ans ».

Ross encourage les photographes à aller au-delà de l’imitation. « Je souhaite que davantage de photographes copient moins ce qu’ils aiment et travaillent vraiment sur leur propre voix. Trouvez votre propre façon d’obtenir un effet que quelqu’un d’autre utilise. Le résultat final sera peut-être un peu différent, mais c’est ainsi que nous faisons avancer les choses petit à petit ».

En restant attentif aux tendances mais en privilégiant l’expérimentation et l’originalité, vous développerez un style photographique authentique qui résistera à l’épreuve du temps.

10. Laissez votre style évoluer

Un style photographique n’est pas quelque chose de figé, il évolue au fur et à mesure. Le travail qui vous convient aujourd’hui ne vous servira peut-être plus demain, et l’ouverture au changement est un élément essentiel de l’évolution de l’artiste.

Je suis passé par plusieurs « phases » de ce que l’on pourrait considérer comme des styles différents, chacun étant adapté à cette phase de ma vie et à ce que j’essayais d’exprimer », explique le photographe Paul Hoi, basé à Oakland. « Mon conseil ? Créez des œuvres qui vous passionnent, mais soyez prêt à abandonner un style lorsqu’il ne vous convient plus.

« Pas quand c’est difficile, mais quand vous n’avez pas l’impression que cela vous aide à vous exprimer comme vous le souhaitez. Je suis triste de voir qu’un artiste attire l’attention pour un type d’œuvre particulier et que cela finit par être tout ce qu’il fait. Cela arrive souvent ».

Il met en garde contre la tentation de rechercher l’approbation des tendances. « Ne le faites pas pour le plaisir. Ne le faites pas pour l’algorithme de marketing. Ne le faites pas pour les réactions ou les caractéristiques. C’est un processus qui dure toute la vie. À un moment donné, j’étais un « photographe polaroïd », puis à un autre moment, j’étais un « photographe infrarouge ». J’ai grandi en dessinant et j’ai exploré les dessins à l’encre pendant quelques années. Je suis maintenant amoureux de l’image de synthèse et de la liberté de création qu’elle m’offre ».

« Chaque phase m’a semblé honnête par rapport à ma situation personnelle et à mes intérêts du moment. Et chaque phase est alimentée par celles qui l’ont précédée. La seule constance est que j’ai été prêt à passer d’une phase à l’autre au fur et à mesure que j’évoluais en tant qu’artiste et en tant que personne. J’espère que ce sentiment de mouvement créatif dans ma vie ne s’arrêtera jamais ».

En fin de compte, Paul pense que lâcher prise fait partie du processus. « Apprenez à lâcher prise. Apprenez à vous détacher d’un style lorsqu’il ne vous convient plus, et ne vous inquiétez pas s’il vous fait perdre des « likes », des « followers », etc. En bref, il faut rester étrange ».

Accepter le changement, c’est s’assurer de continuer à développer son style photographique d’une manière qui reste honnête, fraîche et fidèle à sa vision en constante évolution.

Conclusion : Définir son style photographique

Votre style photographique ne se trouve pas du jour au lendemain, il se crée par la pratique, l’expérimentation et l’évolution. En restant curieux, en partageant votre travail et en acceptant le changement, vous développerez progressivement un style authentique et unique.

À propos du contributeur

Feature Shoot présente le travail de photographes émergents et établis dans le monde entier, en mettant en lumière ceux qui transforment le médium grâce à des projets convaincants et avant-gardistes, avec des contributions d’écrivains du monde entier.